"VERBO": FUTURO IMPERFECTO MAL CONJUGADO

Creo firmemente que la puesta en marcha de un proyecto cinematográfico requiere de grandes dosis de perseverancia, constancia, trabajo y voluntad. En ocasiones se necesitan años y variadas luchas para sacar adelante una película, para reunir el presupuesto necesario que nos permita contar una historia que nos impulsa, que nos motiva. El trabajo realizado durante las fases de preproducción, rodaje y postproducción es duro y fatigoso, tanto física como mentalmente. En este sentido admiro a quien luche por llevar a la pantalla su creación y creo que una crítica puede borrar de un plumazo todo ese trabajo; una crítica que se escribe en unos 15 minutos desde la comodidad de un salón o una oficina. Por esto voy a procurar no ser hiriente con "Verbo", aunque presumo que mi capacidad de influencia desde este modesto blog es más bien nimia. "Verbo" no es una buena película. Es lo que se diría una película "fallida". Uno puede vislumbrar las buenas e interesantes intenciones del director Eduardo Chapero-Jackson, pero estas quedan emborronadas por lo tosco de su puesta en escena. (Y aquí entramos en otro debate interesante, lo dificil que es convertir la película que uno tiene en su cabeza en la película real) "Verbo" pretende ser una especie de fantasía urbana revestida de manual de autoayuda para jóvenes confusos, aderezada con elementos de la cultura urbana como el hip-hop o el grafitti. La película contiene ideas interesantes y resulta muy meritoria por la originalidad de su propuesta, tan alejada de la media del cine español, pero es tosca y poco creíble. No entendemos las motivaciones de los personajes y uno asiste entre perplejo y curioso a lo que estamos viendo. Algunos personajes tienen toda la pinta de haberse quedado en la sala de montaje (Macarena Gómez y Adam Jeziersky) y las metáforas resultan poco sutiles. Alguna escena (la brillante batalla entre el lado luminoso y el oscuro de Sara) salva la película del desastre total, pero eso no evita la sensación de fracaso, aunque probablemente estemos hablando de un fracaso lleno de valentía...Lo mejor que se puede decir de "Verbo" es que es una película diferente, lo que no siempre es suficiente para ser una buena película.

"LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO"

Admito que de pequeño devoraba con gran placer los comics de Tintín. Esas aventuras que nos trasladaban a paises exóticos, provocaban en mí algo muy parecido al Arrebato. Ahora, con el paso de los años, releyendo estas viñetas me resultan "naifs" y más bien tontorronas, ademas de tener ciertas connotaciones racistas y/o colonialistas. Pero bueno, cada cosa tiene su momento y cada interpretación su edad. Total, que no es que estuviera esperando con ansiedad esta adaptación (¿tardía? ¿algo anacrónica?) manufacturada a dos manos por Steven Spielberg y Peter Jackson. Como suele ser habitual con los juicios previos o prejuicios, me equivoqué. "Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio" es una maravilla de la animación y una magnífica película de aventuras, que nos traslada a ese mundo de ensoñación de nuestra infancia. (Y mucho más que títulos que lo pretendían como la más bien insulsa "Super 8") Y aunque no he tenido mucha fe en ese invento de los "actores digitales", reconozco que en esta ocasión la técnica usada es la mejor y el resultado, deslumbrante. ¿Puede un personaje digital resultarnos humano? En este caso, sin duda. El Capitán Haddock/Andy Serkis es una delicia como personaje y nos acaba resultando más entrañable que otros de carne y hueso. Y por cierto, que Serkis, después de sus interpretaciones de Gollum, Cesar en "El origen del planeta de los simios" y este Haddock memorable, se ha ganado a pulso un Oscar, el primero dado a un actor que se pone un mono para convertirse en un personaje de animación. Resumiendo Tíntín cumple su doble propósito como aventura capaz de hacer gozar a grandes y pequeños y como auténtica filigrana de la animación (ojo a las preciosas transiciones entre escenas) No me queda más que deleitarme con la idea de que siga existiendo cine en mayúsculas con alma...

"MIENTRAS DUERMES": TOSAR EN MIS PESADILLAS

"Anoche mientras dormía,
soñé bendita ilusión,
que Luis Tosar venía
y me arrancaba el corazón..."

Me permito esta pequeña broma macabra para comenzar la reseña y/o crítica cinematográfica, queridos amigos, de la muy estimable "Mientras duermes", dirigida por Jaume Balagueró y protagonizada por ese monstruo de la interpretación llamado Luis Tosar. La historia de un portero de fincas infeliz que sólo consigue salir de su desgracia haciendo desgraciados a otros -puteando a la gente, vaya- se encuentra a medio camino entre la película de género norteamericana (Suspense psicológico, lo llaman) y el drama intimista español. Todo aderezado con unas gotas de mala leche y pinceladas negras y rojas (rojo sangre, como os podéis imaginar). Guionista y director apuestan por ponernos en este caso en la perspectiva del "malo", con lo cual nos sentimos un poco cómplices en las incursiones que este portero malérrimo realiza en los apartamentos de los vecinos, en las maniobras y artimañas que lleva a cabo. Y por un momento deseamos que no lo cojan, que salga victorioso, que consiga borrarles las sonrisas...(ahora es cuando os preocupáis por mi salud mental...) Pero no hay que preocuparse, y es que el Ser Humano es ambiguo, amigos, no somos ni completamente buenos, ni completamente malos...En resumen, una película tan entretenida como maliciosa, con un Luis Tosar para el que ya sobran los adjetivos, un auténtico camaleón, capaz de meterse en todo tipo de papeles y es que tal vez estemos hablando del MEJOR ACTOR ESPAÑOL DE NUESTRA GENERACIÓN...

"EL ÁRBOL DE LA VIDA": LA ORACIÓN DE TERRENCE MALICK

He de decir que iba con muchas prevenciones a ver esta peli. Tildada por unos de "obra maestra" y por otros de "pretenciosa e ininteligible", la última ganadora de la Palma de Oro en Cannes podrá gustar más o menos pero, a pesar de sus "defectos" -que los tiene- es CINE con mayúsculas, de aquel que te deja trastocado al salir de la sala. A saber; la historia central es la de una familia modelo de los años 50 en norteamerica y se recrea en la educación del severo y riguroso padre (excepcional, sorprendente Brad Pitt) con sus tres hijos y una tan amorosa como sumisa mujer (bellísima Jessica Chastain). La hermosura con la que está narrada esta parte es sencillamente deslumbrante. Malick nunca recorre caminos trillados, antepone la imagen al diálogo y consigue emocionarnos con este cuento sencillo y complejo a la vez, que nos habla de la VIDA. (Desde luego no se puede decir que Terrence no sea ambicioso). Lo que perdura de la película, la verdadera obra maestra, es esta epopeya cotidiana y familiar, luminosa y oscura a partes iguales. Pero, por algún motivo que se me escapa, el director cree necesario hacer dos saltos temporales; el primero, un flashback de miles de millones de años a la creación del universo, segmento de una belleza también hipnótica, pero que resulta del todo innecesario. El segundo, un Flashforward para ver la vida actual de uno de los hijos de esa familia (Sean Penn, cabreado con razón por lo insignificante de su papel). Los dos me sobran de la película. Supongo que Malick lo ha hecho para recalcar el halito religioso que recorre todo el film y es que "El árbol de la vida" no deja de ser una oración desesperada ante el rumbo que lleva el mundo; como dice en uno de los momentos "Señor, guíanos hasta el final de los tiempos". Eso podría resumir muy bien la intención del director, que en una época de cinismo, de descreimiento, de sentimientos de usar y tirar, nos ofrece una -repito, a pesar de sus defectos- Obra Maestra moral sobre la vida, la muerte, la familia y el amor. Solo nos queda deleitarnos con la belleza de sus planos, de su fotografía y de su manera de narrar.

"INTRUDERS": MIEDOS REALES

¿Qué nos da miedo? ¿A qué tememos, aparte de la inminente victoria del tontainas de Rajoy? Cuando un fantasmil servidor era pequeño y estaba en la cama a oscuras, siempre imaginaba que una masa deforme y sombría avanzaba lentamente por el pasillo en la noche buscando niños que estuvieran despiertos para aterrorizarlos. En esos momentos cerrabas los ojos fuértemente esperando que dicho monstruo no se diera cuenta de que en realidad estaba despierto. Claro que con el paso de los años me dí cuenta de que esa masa deforme y sombría era mi hermano...no hombre, es broma, desde aquí te envío un afectuoso saludo y tal. A lo que me vengo a referir es que esos miedos infantiles y ancestrales del ser humano son los protagonistas de "Intruders", la última muestra del cine de terror "españolamericanizado" que tantos resultados viene dando en taquilla. Fresnadillo, un director con nombre de pedanía vallisoletana y origen canario, cuenta con una estrella internacional de renombre (el más bien sosainas de Clive Owen) y teje a su alrededor un reparto con nombres españoles (Pilar López de Ayala, Daniel Bruhl). "Intruders" es una película muy correcta técnicamente, con buena factura y FX, pero de escasa resonancia, con un guión más bien torpón y forzado. Sólo una escena(inquietante y desasogante-¡que palabro eh!-) que no voy a destripar se salva del tono plano y algo confundible con otras tantas cintas del género. Y es que al salir del cine uno se queda con preguntas en el aíre, con cabos sin atar por culpa de los, tan de moda como innecesarios, "finales sorpresa", aquellos que desde "El sexto sentido" vienen lastrando la lógica y la coherencia del cine de terror en beneficio de una supuesta conmoción en el espectador. Y es que es mil veces preferible la sencillez de esa escena anteriormente referida, en la que de verdad uno puede sentir lo que es el miedo de forma real.

"NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS": MÁS PAZ DE LA ESPERADA

Tras leer diversas críticas que ensalzan la labor en la dirección de Urbizu como sólido manufacturador de thrillers y la "maravillosa" interpretación de Coronado, corro raudo al cine, esperando encontrarme una propuesta tan estimulante como la que fuera "La caja 507" en su momento. Y la verdad, no es el caso. "No habrá paz para los malvados" arranca con una larga secuencia llena de silencios y algún tiroteo, muy correcta si, pero que no acaba de explotar. Y es un poco la sensación general de la película, como si no acabara de arrancar, como si Urbizu buscara una austeridad seca, muy poco agradecida para el espectador, como si huyera de momentos de efectismo. Lo cual puede ser muy interesante sobre el papel, pero poco en la práctica teniendo en cuenta que estamos ante un thriller. Con respecto a la interpretación de Coronado, decir que esta correcto si, pero que tampoco es para tirar cohetes; da la sensación de que su Santos Trinidad podría haber dado mucho más juego si lo hubiera llevado un poco más al límite. En una entrevista afirmaba Coronado que su personaje también podría llamarse "Demonio Diablo" (sic) y la verdad, eso no se ve por ninguna parte. Solo vemos un perdedor-con muy buena dicción por cierto-, un don nadie que nos da más pena que otra cosa. Y el desarrollo de la trama, en la que Coronado va de un lado para otro investigando en silencio, resulta más bien plumbeo y algo farragoso. A pesar de ser una película correcta y tener alguna secuencia interesante, "No habrá paz para los malvados" se queda en menos de lo esperado, en una especie de "antithriller" lleno de momentos prescindibles y al que -alarmantemente- le falta sentido del ritmo. En este caso, un pecado mortal para Urbizu.

"EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS": UN ACTOR DEL MÉTODO

"El origen del planeta de los simios", una precuela del clásico de los años 70 con aspecto -a priori- de bodrio prefabricado, se ha convertido en uno de los "sleepers" del verano. Un "sleeper" es aquella película que poco a poco se va convirtiendo en un éxito inesperado. Número 1 de taquilla en España, USA y Reino Unido, se trata de un blockbuster más que digno, que cuenta una historia con sentido del ritmo y entretenimiento a raudales, sin tratar al espectador como un imbécil redomado. La cinta tiene un cierto aroma a serie B de los años 90, aquellos títulos simpáticos "fantacientíficos" que nos proporcionaban un rato de lúdico entretenimiento sin ningún tipo de pretensión. Pero lo que más llama la atención de esta -por otra parte- olvidable película, es que el verdadero protagonismo se lo lleva un mono llamado Cesar e interpretado a medias entre un ordenador y un actor -ya encasillado en este tipo de roles- llamado Andy Serkis, al que se conocerá en el futuro como "el actor digital". Y debe ser muy frustrante para el fumado de James Franco ver como todo el protagonismo se lo lleva un mono digital, que le da una verdadera paliza interpretativa. Y es que el César de esta película es un personaje que se nos queda clavado en la retina, cuya evolución y transformación comprendemos y a la que asistimos como si viéramos a un humano y su peculiar drama en busca de la libertad. Yo personalmente apostaría por nominarlo al óscar y es que...¿Cuantos actores han sido nominados bajo capas y capas de latex o maquillaje?

"SUPER 8": NOSTALGIA EN VENA

No se exactamente porque una poderosa corriente de nostalgia recorre el momento actual. Tal vez sea porque el cine contemporáneo no parece encontrar un rumbo claro, porque se nutre constantemente de remakes y referencias al pasado. Tal vez porque necesitemos un poco de la inocencia que poblaba esas películas de comienzos de los 80,ya sea "Los Goonies", "E.T." o incluso "Encuentros en la tercera fase". Todas ellas por supuesto con la firma de Spielberg, ya sea en la dirección o en la producción. Un tipo de cine con el que parecíamos estar flotando en el vientre de nuestras madres; familiar, cómodo, acogedor, sin necesidad de pensar mucho y más orientado a los buenos sentimientos. "Super 8" es una hábil jugada comercial sabiendo leer las necesidades del público actual, a la vez que un tierno (auto) homenaje a ese tipo de cine. Una cinta casi anacrónica en la que un grupo de niños (todos adorables) nos lleva por una aventura que siempre nos va a remitir a nuestra infancia. Aquí tengo que decir que he visto críticas excesivamente entusiastas hacia la peli. Y es que "Super 8" flaquea en buena parte del desarrollo de su argumento, cuenta con "monstruo adorable" muy poco adorable y, paradójicamente, por momentos parece un producto prefabricado, que carece de alma. J.J. Abrams es un creador notable y un negociante avispado, pero no es el Spielberg de los 70 y 80. Y nosotros no somos aquel público. Y es que no se puede hacer una película de 1984 en 2011. Por mucho que queramos...

"BEGINNERS": PRINCIPIANTES DE TODA LA VIDA

"Beginners" es una de la sorpresas más apetitosas del año. Discretamente escondida en la cartelera estival entre Harry Potters, Transformers y demás bazofia de "fast movies", esta película se reivindica en su forma sensible, divertida y trágica a la vez de contar una historia. Y es que eso de contar una historia -y hacerlo bien- es lamentablemente una costumbre en desuso. "¿Para que contar una historia si tenemos 300 millones de dólares para gastarnos en gigantescos robots en 3D?", debe preguntarse Michael Bay. "¿Para que contar algo original si aún nos quedan tropecientos clásicos de los 80 que "remakear"?", se preguntan los ejecutivos cuando deciden que películas hacer. Menos mal que aún quedan directores como Mike Mills ("Thumbsucker") y productores que se atrevan a hacer películas como esta. Crónica de un treintañero en crisis (Ewan McGregor) tras la muerte de su padre(Un papel que sencillamente borda Christopher Plummer) , recien salido del armario tras 45 años de matrimonio y de su incipiente relación con una actriz francesa. (Encantadora Melanie Laurent). "Beginners" es fundamentalmente una película sincera y cercana. Podría ser tildada de comedia romántica si no fuera porque huye de los tan dañinos tópicos que Hollywood ha impuesto en su visión, absurda y ridícula, de la pareja. Crónica de miedos y debilidades humanas, original, fresca y trascendente, "Beginners" viene a decirnos que en esto del amor, e incluso en esto de la vida, somos eternos principiantes.

"INSIDIOUS": FANTASMAGORÍA MODERNA

Una de las grandes máximas del cine de terror y suspense es: "Menos es más". O sea, cuanto menos veamos, cuanto más nos sea sugerido y cuanto más tenga que trabajar nuestra imaginación para completar lo mostrado en la pantalla, más impacto tiene el efecto, más perduran las imágenes en nuestra memoria y en resumen, más miedito pasamos. "Insidious" cumple asombrósamente bien con esta premisa durante buena parte de su metraje, proporcionándonos tres o cuatro sustos de padre y muy señor nuestro. Vamos, que me vi pegando sucesivos respingos al unísono grito de "¡Coño!", para mi propia sorpresa, pues hoy en día tiene mucho mérito que una película de terror consiga aterrorizar. Hay en esta película un gran amor por el género y por la iconografía del cine de terror, creando una fantasmagoría espeluznante y lúdica a la vez. Los creadores de "Saw", James Wan y Leigh Wannell dan un paso adelante (¿O atrás?) para mostrarnos un auténtico recital de fantasmas, mediums, demonios y demás monstruos que parecen sacados de un circo del terror. Atracción de barraca de feria, tren de la bruja moderno,juego de luces y sombras (muchas más, se entiende), de colores extráñamente degradados, "Insidious" puede considerarse la mejor muestra reciente de hacia donde puede ir el cine de terror. (Y no ese gran bodrio llamado "Paranormal Activity") El "pero" viene ahora. Hacia el tramo final de la película, los creadores deciden dejar de lado la sugestión y la sutilidad para dar un recital de fuegos de artificio, consiguiendo justo lo contrario; al poder ver tan claramente a los monstruos que nos han aterrorizado previamente, el miedo desaparece, sustituido por la impavidez o, en el peor de los casos, la risita burlona. Aún así, a los que les guste pasar miedo, se la recomiendo vivamente.

CLÁSICOS DE VIDEOCLUB: "GREMLINS"

"Gremlins" es todo un clásico, una de las que nunca faltaban en la programación televisiva navideña, cuando echaban maratones de películas. Fue estrenada en el año 1984 y se convirtió en la 4ª película más taquillera tras "Superdetective en Hollywood", "Los cazafantasmas" e "Indiana Jones y el templo maldito" (Vaya añito ¿no?) Cuento negro con moraleja incluida, la historia de las extrañas y entrañables criaturas mogwais que se convierten en Gremlins al contacto con el agua, con la luz o tras haber comido, tiene todo lo necesario para ser una maravilla. Una exótica tienda oriental donde se adquiere el bichito en cuestión, una ambientación navideña llena de mala leche, una música extraordinaria de Jerry Goldsmith (¿Quién no la ha tarareado hasta la saciedad?) y un sentido del ritmo y la comedia como pocas veces hemos visto. En muchos sentidos "Gremlins" recuerda a los "cartoons" de Chuck Jones, o para los menos iniciados, a los dibujitos animados donde los tortazos, caidas y disparatadas muertes tienen gran protagonismo. ¿O es que no os acordáis de como la madre del protagonista mete un Gremlins en el microondas? De hecho, la pazguata crítica de EEUU la censuró por ser "demasiado violenta", sin darse cuenta de que en realidad "Gremlins" puede ser vista por niños y adultos a partes iguales como lo que es, un regalo de navidad completamente envenenado.

"UN CUENTO CHINO": MEJOR IMPOSIBLE, BOLUDO...

Tiene esta pequeña película un claro antecedente,hablamos de la exitosa "Mejor imposible", dirigida por James L. Brooks y protagonizada por Jack Nicholson en el papel de un "odioso" neurótico que se niega a tener contactos humanos y a dejarse llevar por los engorrosos sentimientos. Aquella, en clave de comedia con pinceladas de drama, narraba por supuesto como este hombre se humaniza gracias al amor redentor de una madre soltera con toda la cara de Helen Hunt y de un gay con perrito incluido con las facciones de Greg Kinnear. "Un cuento chino" relata la historia de un ferretero huraño y encerrado en si mismo, que como con el gay de "Mejor imposible", tiene que relacionarse con un elemento extraño en su vida; un chino. Las situaciones cómicas, los malentendidos por la discordancia de idiomas, el choque cultural se dan en esta cinta tan rutinaria como bienintencionada. O sea, que echamos el rato viendo los avatares del ferretero y el chino, de la imprescindible mujer buena y sencilla que viene a redimirlo y con algún que otro gag inspirado, pero en realidad lo único que se queda en nuestra retina es el rostro y la interpretación de Ricardo Darín, un hombre con cara de rata que tiene la habilidad de resultarnos cercano y entrañable. Un magnífico actor que salva la función de la ruina total. Y no creáis amigos que soy un cínico o un escéptico con el tema de los buenos sentimientos, pero creo que para tratar estos asuntos, hay que poseer gran maestría y sensibilidad, sin caer en la lagrimita fácil. Resumiendo, solo si vuestra vida depende de ello, o tenéis una tarde muuuy aburrida, recomiendo el visionado de esta película.

"CLÁSICOS DE VIDEOCLUB": AL FILO DEL ABISMO

Corría el año 88 y una nueva moda se había instalado con fuerza en la calle. Hablamos de cuando nos pasábamos el día en la calle y nadie sabía lo que era el "bulliyin" o este invento del demonio llamado Internet. Hablamos del impacto del "skate" o "patinete", según el grado de familiaridad. Todos los chavales suspirábamos con tener una "Santa Cruz", una "Sanchesky" o una "Powell Peralta". ¿Por qué? Por el mismo motivo que algunos años antes lo flipábamos con los yo-yos de cinco estrellas o con el cubo de Rubik o con la mano loca, etc, etc...Yo me tuve que conformar con una tabla barata de marca "Gordon Tennesee", pero para mi era la monda, aunque por supuesto no tuviera ni idea de patinar, ni siquiera me atreviera a tirarme en la "U", un concepto que también llegó por aquella época. Y en estas estamos cuando llega al videoclub de barrio(yo la vi directamente en vídeo) "Al filo del abismo", todo un peliculón que venía a saciar nuestras ansias de "aventura deportiva", en la línea de otras como "Los bicivoladores" o "Quicksilver". En esta ocasión era un jovencísimo Christian Slater (post "El nombre de la rosa") el protagonista, un joven "skater" rebelde que tenía que enfrentarse con toda una mafia de asesinos tras la muerte de su hermano vietnamita...en resumen, un argumento que hubiera cabido en una servilleta y que podría haber sido ideado por un mandril hasta el culo de tranquimazines, pero que a nosotros nos parecía "Ciudadano Kane". Aunque claro, la fuerza venía de las espectaculares escenas con virtuosos del monopatín. Aunque hoy ya nadie se acuerde de ella y en realidad no haya ni un ápice de interés o calidad cinematográfica en sus 90 minutos, "Al filo del abismo" fue la película más alquilada durante un par de años, todo un título de culto nacido al abrigo de las cuatro -grasientas- paredes de un videoclub.

"SIN IDENTIDAD": PUES ESO...

Hay películas que en su título -y obviamente sin quererlo- hacen toda una declaración de intenciones, o tal vez un aviso para navegantes. "Sin identidad" es una de ellas, una cinta que carece de personalidad propia, de un atisbo de originalidad, de ninguna sorpresa que destacar, aunque su mejor baza sea con seguridad precisamente esta, su falta de pretensiones. Thriller enmarcado en el subgénero Americano-que-llega-a-la-peligrosa-y-misteriosa-Europa-y-se-mete-en-lios, la película tiene un ilustre antecedente en aquella maravilla "noir" llamada "Frenético", dirigida por Roman Polansky e interpretada por Harrison Ford, a años luz de esta, claro está. En aquella Polansky bebía del sacrosanto Hitchcock para crear un suspense lleno de atmósfera y sofisticación. En esta, el catalán afincado en Hollywood Jaume Collet-Serra, lo intenta, pero la nota no pasa del suficiente pelao. Con el siempre solvente, y simpático para el fantasma que esto firma, Liam Neeson, "Sin identidad" se consume agradablemente, como cuando uno se bebe un Aquarius que no sabe a nada pero que refresca, con giros de guión más bien inverosimiles pero con un muy saludable aroma a "thriller" de los 90 que siempre piensa en el entretenimiento y en el juego de adivinanzas con el espectador.

"PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA": LOS AMIGOS DE LUDO

He aquí uno de los grandes hits de la reciente cinematografía gala, que tiene el mérito de haber recaudado grandes sumas en taquilla sin necesidad de caer en la zafiedad de los Torrentes o en los grandes efectos especiales del Hollywood 2.0. Planteada como un retrato generacional de treintañeros, "Pequeñas mentiras sin importancia" quiere parecerse a aquella maravilla llamada "Los amigos de Peter"; a saber, grupo de personas que se reunen y que desnudan sus fallos y carencias en torno a la figura de un amigo (en este caso ausente). El actor y pareja de Marion Cotillard, Guillaume Canet, dirige esta película, que oscila todo el rato entre la comedia amable y desenfadada y el drama más lacrimógeno e indecente. Una duración a todas luces excesiva(¡¡¡152 minutos!!!) teniendo en cuenta que no estamos frente a "Lawrence de Arabia" y una selección musical estupenda, pero que solo demuestra una cosa: Canet ha decidido poner su lista de reproducción del Ipod completa de la manera más indiscriminada posible, sin ningún criterio. El punto fuerte de la película: un puñado de personajes y actores muy naturales, cercanos y creíbles. El punto débil: El acto de terrorismo emocional al que nos somete en un final vergonzoso, donde el director nos mete los dedos en los ojos para hacernos llorar y lo único que consigue es un razonable cabreo por parte del espectador adulto. O dicho de otra forma; una película que funciona mucho mejor como comedia ligera sin grandes pretensiones que como dramón de trazo grueso.

NUEVA SECCIÓN: CLÁSICOS DE VIDEOCLUB

Inauguro una nueva sección en este, vuestro blog, en la que repasaré todos aquellos clásicos que poblaron nuestra más tierna infancia y juventud. Películas míticas que han quedado grabadas en nuestra memoria colectiva, grandes bodrios en la mayoría de las ocasiones, pero sin duda entrañables, carentes de calidad cinematográfica pero que tal vez hemos visto más veces que a nuestro tio de Murcia. Acción, fantasía, aventuras, terror. Todo aderezado con polvo y roña. Cientos de horas de entretenimiento envasadas en sucias carátulas, 2x1 en el ya difunto (en el mejor de lo casos agonizante) VHS. Y para ello que mejor que una elegía por la muerte de aquel territorio mítico de los 80, templo de barrio con un séquito de fieles feligreses, lugar mágico y litúrgico, de donde uno salía aprovisionado para la más sana evasión. El videoclub entró en mi vida aproximadamente en el año 1990, cuando en mi casa se adquirió un misterioso artilugio llamado VÍDEO. Esta máquina te permitía reproducir películas y grabar las que echaban en la tele, incluso con la posibilidad de dejarlas programadas mientras estabas en la calle. Un mundo de nuevas posibilidades se abría ante nosotros. El plan era generalmente el siguiente: normalmente un viernes o un sábado por la tarde quedabas con uno o varios amigos, a ser posible en una casa liberada de padres, y en torno a las seis de la tarde acudías en procesión al videoclub de tu barrio. Nunca olvidaré el dueño de uno de estos comercios cercano a mi casa; un hombre con una vasta cultura cinematográfica y un gusto digno de ser jurado del Festival de Cannes...siempre que se le pedía una recomendación sobre una película, él te remitía a la última de A) Steven Seagal B) Chuck Norris o C) Jean Claude Van Damme. Siempre con la misma frase..."Es muy buena. Steven Seagal (por ejemplo) trabaja muy bien". Con el paso de los años me doy cuenta de que estaba en lo cierto; tal vez Steven Seagal no tenga la técnica interpretativa de Marlon Brando, pero con la de leña que repartía, desde luego se estaba ganando su sueldo...El videoclub en sí solía estar plagado de carteles de los últimos estrenos, en la mayoría de los casos con un monitor en el que se proyectaba la película más novedosa, pongamos por caso, "Jungla de cristal". Por un extraño motivo tu siempre querías esa, petición que le hacías al dependiente con cierta ansiedad: "¿Te han devuelto "La jungla de cristal?". Ante lo que se creaba un momento de expectación cuando él revisaba si entre las películas devueltas estaba la gran deseada. Uno podía llegar y besar el santo -LA película- o pasarse una hora rebuscando entre las estanterías, en muchos casos sin ponerte de acuerdo con tu/s compañeros/as. Aunque uno nunca se marchaba sin una o más cintas bajo el brazo, sabiendo que probablemente se vería mal (¿recordáis las rayitas blancas que tanto jodían?) o que tal vez sería un engendro, pero por algún motivo, feliz, con la sensación de que estabas a punto de sumergirte en un mundo nuevo...

"EL ÚLTIMO EXORCISMO": ¡SI, POR FAVOR!

Que el cine de terror es una de mis debilidades no es ninguna novedad. Cuando era pequeño, un querido amigo y yo acudíamos religiosamente a la estantería dedicada a este género en el videoclub de mi barrio. Por apenas 250 pesetas alquilábamos dos películas y amenizábamos la tarde entre monstruos, demonios, asesinos y otros entrañables compañeros. Lo que nos producía era una mezcla de miedo, morbo y risa. Risa porque algunas de esas cintas -en ocasiones en Beta- eran de serie Z, con efectos especiales sacados del Millonario (guiño solo para gaditanos) y argumentos que harían sonrojar al mismísimo Roger Corman. El cine de terror de los 70 y 80 se basaba fundamentalmente en el subgénero llamado "Slasher", a saber; asesino vengativo, normalmente con una fuerza sobrenatural y una capacidad para resucitar curiosa que va matando uno a uno a un grupo de adolescentes con furores sexuales varios. O sea, "La matanza de Texas", "Halloween", "Viernes 13" y "Pesadilla en Elm Street". En los 90 se pusieron de moda las pelis japos, con niño pintado de blanco que da mal rollito y niña que sale de la tele descoyuntada. Y con la llegada del nuevo milenio y la revolucionaria "El proyecto de la Bruja de Blair" llegó el Docuterror, uséase, con un público que ya lo había visto todo, la solución era que no viera nada. En busca del verismo las cintas de terror se plantean como grabaciones caseras, donde el cámara es un protagonista más y donde se sugiere más que se muestra, lo cual, bien hecho, es una de las grandes premisas del mejor cine de terror y/o suspense. En esta corriente, "REC", "Monstruoso" y "Paranormal activity". El problema vino cuando no se supo diferenciar entre sugerir y timar, entre parecer "cutres" y serlo de verdad, entre jugar a administrar el miedo o simplemente no saber como transmitirlo. "El último exorcismo" es un claro ejemplo de ello; la historia de un exorcista/timador en el Sur de los EEUU, donde la religión y la superstición se dan la mano, se encuentra con el caso de una niña en la edad del pavo que parece realmente poseida. La película ciertamente da mal rollito, pero como dijo una compañera fantasma que me acompañó a verla, "te deja mal cuerpo como cuando te comes algo en mal estado". O sea, mucha cámara al hombro, una niña contorsionista con posturas similares a las del "Pozí", algún golpe de efecto y un final ridículo. Si pretendían verismo, solo han conseguido feismo, revolvernos el estómago e inverosimilitud...

"MEDIANOCHE EN PARIS": ¿CUALQUIER TIEMPO PASADO FUE MEJOR?

No resulta fácil hacer una crítica de esta película sin desvelar algunos de los giros de guión que atesora, pero soy muy respetuoso con la capacidad para sorprendernos en la sala de cine y voy a intentarlo. "Medianoche en Paris" es la historia de un guionista de Hollywood -y aspirante a novelista- que se enamora de una ciudad (Paris...¿Cual si no?) a la vez que está enamorado del pasado, que piensa aquello que casi todos sentimos alguna vez de que cualquier tiempo pasado fue mejor. Nostalgia. Tal vez incluso por una época que no hemos vivido. De manera que la magia -como en muchas de las películas del maestro Allen- irrumpe en escena. Y es que la película, aparte de un canto de amor incondicional por la ciudad, es una maravillosa afirmación de la necesidad de vivir el presente y una defensa del amor (del amor verdadero). Repleta de referencias intelectuales en clave cómica, con un elenco de actores en estado de gracia -muy bien Owen Wilson y una Marion Cotillard de la que es imposible no enamorarse- la película se disfruta en cada minuto de su metraje como un regalo que Mr Allen nos hace en un momento de inspiración suprema. Demostración palpable de que se puede hacer una película romántica en el mejor sentido de la palabra, sin caer en la ñoñería, "Medianoche en Paris" es una auténtica delicia para los sentidos, una chocolatina rellena de licor que nos embriaga y nos deja con un sonrisa dibujada en la cara. Llamadme romántico, pero salí del cine completamente emocionado y, con toda seguridad, un poquito más feliz... ¿Qué más se puede pedir?

"YO SOY EL AMOR": UN CLÁSICO MODERNO

Entre las películas más sorprendentes y refrescantes de la temporada pasada se encuentra sin lugar a dudas esta "Yo soy el amor", del director italiano, desconocido en nuestras tierras, Luca Guadagnino. La historia de una familia de la aristocracia industrial milanesa, los Recchi, y de una pasión que entra en la vida de la protagonista como un ciclón(Tilda Swinton, en el papel de la aparentemente recatada esposa de uno de los miembros de esta familia) Historia de amor apasionado con ecos de Rosselini y Visconti, la película es una obra maestra a la vez clásica y moderna, ya que la historia y la ambientación pueden sonarnos clásicas, pero la realización -con unos planos y encuadres nunca vistos por el fantasma que esto firma-y la música resultan radicalmente modernas. Película que nos noquea a través de los cinco sentidos, su sensibilidad y buen gusto resultan incluso chocantes en tiempos como los actuales. Pieza de cámara que parece ser de otro tiempo y de cualquier tiempo -pues la calidad no tiene edad- poco más se puede decir (ni se debe) de este maravilloso melodrama. Que lo disfrutéis...

SESIÓN DOBLE: "BLADE RUNNER" Y "AFTER HOURS"

En este blog normalmente escribo acerca de estrenos en las carteleras de cine, pero hoy me voy a tomar la pequeña licencia de hablar de dos películas estrenadas hace casi 30 años, en la década de los 80. Dos películas muy diferentes pero con puntos en común, principalmente uno; son dos de mis títulos favoritos, aquellos que atesoro en mi deuvedeteca como el que guarda un amuleto y a los que acudo periódicamente para comprobar que siguen siendo igual de maravillosos. Y esta semana he vuelto a verlos...¿Qué decir de "Blade Runner"? Simplemente que cada vez que la veo me parece más perfecta, un diamante en el que nada sobra y nada falta. Un extraño caso de película-mundo, que consigue meternos dentro de la pantalla gracias a la asombrosa mezcla de diseño de producción, la inolvidable música de Vangelis, efectos especiales, las interpretaciones, el guión, la fotografía. Todo parece estar equilibrado al milímetro, todo funciona. Y uno siente un escalofrío de emoción al dejarse llevar por la inusual y contradictoria belleza de ese Los Angeles eternamente oscuro y lluvioso, un paisaje que ya se ha convertido en uno de los más míticos de la historia del cine. Una película en apariencia fría, pero que en el fondo esconde un ensalzamiento de la fragilidiad de los humanos, una reivindicación de la libertad y un exorcismo ante el miedo a la muerte. Para los pocos que no la hayan visto recomiendo la experiencia de apagar todas las luces de casa, poner un buen volumen y dejarse arrastrar por los acordes de Vangelis y la lírica de esta Obra Maestra suprema...
"After Hours" (me niego a llamarla con el ridículo título en español) es una obra con menos pretensiones que "Blade Runner", probablemente menos importante, pero a la vez deliciosa. Película neoyorquina, nocturna y llena de humor negro, relata la odisea de un hombre contra los elementos en el Soho. Con elementos de pesadilla y con un aire surreal maravilloso, en este caso es Howard Shore el encargado de un "score" que aporta ese tono irreal y extraño. Si me planteo porque me gustan tanto ambas películas encuentro algunos elementos en común; ambas se desarrollan en el terreno de la noche y las dos tienen una cualidad muy difícil de encontrar hoy en día; son capaces de crear Atmósfera, de conseguir que te adentres en un mundo ficticio pero palpable. Uno casi puede sentir la eterna lluvia y el humo de "Blade Runner", sentirse sofocado por el calor nocturno de "After Hours". En resumen, desde aquí proclamo mi amor aterno por ambas películas. A veces me gustaría no haberlas visto para verlas por primera vez...

"THOR": EL RUIDO Y LA FURIA

El título de la novela de William Faulkner, que hace referencia a un verso del "Macbeth" de Shakespeare viene que ni pintado para hacer una crónica de esta adaptación comiquera de Kenneth Branagh...(Inciso: ¿Conseguirá Hollywood que Kiarostami diriga una de Vin Diesel? No me extrañaría) Pero hay que decir que más ruido que furia, porque este "Thor" tiene unos "athronadores" (sublime juego de palabras) efectos sonoros y más bien poca furia. Y eso que la historia comienza muy bien, con ese Flashback de miles de años al mítico Reino de Asgaard y toda la batalla entre Odin y los Hombres de hielo, con un diseño de producción y de vestuario entre pulp, glam kitsch y psicodélico que tiene su gracia, con ritmo y un sentido lúdico del espectáculo. Pero, ¡Ay! cuando nos vamos al presente nos encontramos con la peor versión de Natalie Portman y sus mohines, con un Thor hipermusculado que se pasa todo el rato sonriendo para demostrar lo encantado que está con conocerse,con una historia blanda y sin interés, en resumen. Y es que señores, aunque Branagh demuestra buen pulso en contar la parte mítica y "shakesperiana" de la historia, este hombre no tiene dotes para hacer la otra, más juvenil, y emtiviesca(de la MTV, ¿se entiende?), la que pretende arrastrar a los jóvenes a los cines. En este sentido, las escenas en que los compañeros de Thor llegan a la actualidad son más bien bochornosas(incluso los guionistas hacen alguna coña al respecto), propias de un capítulo de Xena. No deja de ser un poco triste tener que ver a Anthony Hopkins enfundado en esos ridículos disfraces, pero seguro que su cuenta corriente se lo agradece. En definitiva, que yo eché un buen rato, pero seguro que con 10 veces menos presupuesto y menos pretensiones de "blockbuster", hubiera estado más graciosa, oye.

"HAPPYTHANKYOUMOREPLEASE": NI MÁS NI MENOS...

El cine "indie-pop" tiene una serie de cualidades que lo hacen muy identificable: Historias sensibles, de personajes treintañeros y peterpanescos en busca del amor, con bandas sonoras llenas de canciones más bien detestables y un cierto trasfondo de autocomplacencia en el que se viene a decir que el protagonista-director-guionista (Un tal Josh Radnor, más bien insulso), a pesar de ser un desastre como persona, es un tipo guay que recoge niños perdidos en el metro y que por supuesto se lleva a la chica guapa. Dicho esto, podría parecer que no me ha gustado la película, pero no es así. De hecho, comparada con otras cintas de este corte me parece medianamente decente y con diálogos de calidad, ademas de alguna que otra idea afortunada. Por ejemplo la de estar en perpetuo agradecimiento con la existencia -de ahí su título-, cosa que deberíamos ejercitar todos en el día a día...Otros aciertos como el personaje de la chica con cáncer y la idea de que si nos miramos 5 años atrás siempre nos da la impresión que éramos imbéciles convierten a "Happythankyoumoreplease" en una cinta agradable y que se deja ver. Ni más ni menos....Gracias.

"SCREAM 4": PUÑALADA TARDÍA

La saga de Scream tiene varias cosas penosas y alguna que otra buena; entre ellas su capacidad de autoreferencialidad, de parodia y reflexión sobre el cine de terror norteamericano contemporáneo, y es esto lo que siempre me ha enganchado de una serie de películas de escasa calidad cinematográfica. En este sentido, lo mejor de "Scream 4" es su comienzo, en el que, con una estructura de muñeca rusa, asistimos a una película dentro de una película dentro de una película. Lo que se suele llamar entre pedantes como yo Metacine. Y para mí esto resulta muy gozoso, una especie de autoburla al género de terror. Y es que Wes Craven es un tipo astuto que lleva más de 30 años asustando al personal. En esta nueva entrega, más bien tardía y acaso inapropiada, aporta ademas una mirada cínica al "porngore" tipo "Saw" y "Hostel", un tipo de cine de terror en el que ya no se reconoce, que no le estimula y en el que lo único que importa es cual será la forma sádica en la que morirán los protagonistas. Toda la película tiene un ingrediente "gore" que no tenían otras entregas. Entre las cosas malas: el ambiente teenager de todas las películas, en el que Craven no parece moverse a gusto, los interludios de amor, la previsibilidad y la cara de tambor estirado que tiene Courtney Cox -pobrecita lo que le han hecho, parece el Joker. En resumen, un entretenimiento digno aunque más bien anticuado, "demodé", como si quisieran resucitar a toda costa una franquicia a la que ya hace tiempo que le sacaron las tripas...

"SIN LÍMITES"

Señores, seamos sinceros, los americanos saben como hacer películas. Y no solo porque manejen presupuestos mareantemente superiores a los nuestros, que también, sino porque saben como mantener clavado al espectador a la butaca. "Sin límites" es un magnífico ejemplo de ello; durante la hora y tres cuartos que dura no hay espacios muertos ni margen para el aburrimiento; cada escena es interesante y emocionante y te lleva a la siguiente y cuando te das cuenta la película ha acabado y te vas tan contento a tu casa. Y es que "Sin límites" podría convertirse en el "sleeper" del año, la película sorpresa de la temporada, un thriller de apariencia rutinaria y pocas pretensiones pero diabolicamente entretenido, ingenioso y disparatado. La historia de un escritor fracasado que no encuentra la creatividad necesaria para afrontar su nueva novela y acaba por encontrarse con una droga de diseño que multiplica sus capacidades cerebrales es, como hemos dicho, totalmente inverosimil-no siempre necesitamos la versomililtud cuando vemos una película-pero todo un festín para el espectador. Y es que "Sin límites" te engancha como la droga que la protagoniza-¿A quién no le gustaría probar una de esas pastillitas transparentes?- con un despliegue de efectos visuales(justificados)y giros de guión que hacen gala de un desenfado típico de la Serie B más Roger Corman aunque, eso sí, con los medios actuales. Bradley Cooper está estupendo en su papel-no creí que diría esto nunca- mientras que Robert de Niro parece estar pensando todo el rato en el limpiado de su nuevo jet. En definitiva, un entretenimiento de lo más saludable, original y recomendable en estos tiempos de digitalismos vacíos y secuelitis crónica.

PD: Por la noche vi "Pa negre" y me pareció un coñazo...

¿PARA QUÉ SIRVE UN OSO?: ESO MISMO DIGO YO...

Hace unos días emitieron en Versión Española "La torre de Suso", primera película de Tom Fernández, guionista televisivo forjado en series como "7 vidas" que daba el salto al cine con una cinta muy conseguida sobre la amistad, la madurez y la vuelta al hogar -Asturias- con un sentido del humor ácido y tierno a la vez y con unas estupendas interpretaciones de Javier Cámara, Gonzalo de Castro y Malena Alterio. Precisamente sobre la química en Cámara y De Castro se sustenta esta segunda "¿Para que sirve un oso?", que pretende ser el anverso cómico y vodevilesco de aquella y que hace uso y abuso de las claves del cine de "slapstick" propias del cine mudo. En otras palabras, pretende ser una comedia más visual, en gran parte basada en gags físicos, a saber; caidas, tropezones, choques, etc, etc...Pero el tiro les sale más bien por la culata y es que hacer una "comedia muda" como quien dice no es una tarea fácil...Intento entre anacrónico, ingenuo y desganado de hacer una película ecologista, uno de los principales errores de "¿Para qué..." reside en que prácticamente no nos hace reír, lo cual es pecado mortal tratándose de una comedia. Bastante desequilibrada,con diversos gags fallidos, la película se pierde en las tramas secundarias de los jóvenes -¡¡La bisnieta de Chaplin y el hijo de Don Johnson, que son pésimos actores y no aportan nada!!- hay personajes que sencillamente desaparecen de la trama -el de Geraldine Chaplin- y el conjunto acaba por ser bienintencionado pero más bien deslabazado e insulso. Sin embargo me hizo plantearme una pregunta...¿Para qué sirve una película?

"INSIDE JOB": LOS LADRONES SIGUEN DENTRO...

Yo, como la inmensa mayoría de los mortales, no tengo ni idea de economía. La dificultad consustancial de una materia como esta hace que los que si saben, o sea, economistas, analistas, inversores, etc...se conviertan en una auténtica élite en cuyas manos ponemos nuestro dinero. El problema viene cuando está élite decide que son muuuy inteligentes y pueden multiplicar el valor de nuestro dinero por mil, haciendo "trucos de magia" matemática para embolsarse bonitas sumas para sus gastos personales. En otras palabras, LA AVARICIA, nada nuevo en la historia de la humanidad..."Inside job", ganador del Oscar 2011 al mejor documental, nos cuenta desde la perspectiva del ciudadano atónito que podemos ser cualquiera, cuales son los motivos y los culpables de la crisis económica mundial que nos azota desde 2008. Y a grandes rasgos se basa en la creencia de que se podía inflar el globo de las ganancias "ad aternum" en un contexto de total falta de regulación. Miro hacia otro lado y pongo la mano. Seguimos. El documental nos muestra como profesores universitarios de economía que a la vez asesoran al gobierno reciben grandes sumas de dinero por defender los intereses de estos gigantescos conglomerados financieros. Como especialistas ecónomicos se embolsan cifras de al menos seis dígitos por hacer informes beneficiosos a según que causa. No es esencialmente importante si lo que se cuenta en estos informes es cierto; si 100 expertos dicen una mentira, la mentira se convierte en verdad, al menos hasta que convenga decir lo contrario...Todo sea por una casa más grande, por un jet, por una educación de 200.000 dólares al año para los hijos, etc, etc...Pero lo peor de todo es que, por algún motivo, los principales responsables de este desfalco gigantesco y continuado en los años; los que hicieron quebrar Lehman Brothers, Morgan Sachs y estaban aleccionados y fomentados por los mandatos de Reagan, Bush, Clinton y Bush Jr, siguen en el poder en la era de Barack Obama, aquel que prometió que lucharía contra la avaricia de Wall Street...Los ladrones, amigos, siguen dentro de la casa, y hay que echarlos a patadas...

"PIRAÑA 3D": D DE DESFASE...

Valeee, lo reconozco, esta vez si me he gastado los 10 euros que vale una entrada de cine en 3D, pero que queréis que os diga, me apetecía una ración de gore lúdico y descerebrado...y vaya que si la he tenido. Amputaciones, cuerpos desmembrados, actrices porno, generosas mamas, adolescentes yankis borrachos y...pirañas prehistóricas sedientas de sangre...¿Qué más se puede pedir amigos? Y más con un reparto tan "ochentero", a saber, Elizabeth Shue, Richard Dreyfuss y...¡Chistopher Lloyd!, en el papel del dueño de una tienda de peces, papel que interpreta exactamente igual que el mítico Doc de "Regreso al futuro"... Culmen del cine intelectual, prima hermana de la filmografía de Godard y Rossellini, "Piraña 3D" se erige como un remix enloquecido y aneuronal de "Tiburón", "Scream" "Viernes 13" y cualquier página porno de la que echéis mano-nunca mejor dicho-y como tal resulta un entretenimiento al que nunca se acaba de dar crédito, con unos diálogos avergonzantes y un sentido del humor tan estúpido como refrescante. Lástima no tener 16 años para haberla disfrutado un poco más.

"EN TIEMPO DE BRUJAS": ¡EL ANTICINE HA LLEGADO!

Algunos os preguntaréis...¿Por qué demonios gasta Pablo tiempo y dinero en ver el último engendro de Nicolas Cage? Y la pregunta no es baladí, pero os diré que sólo he gastado tiempo...pues obviamente no he pagado ni un céntimo en verla...Efectivamente "En tiempo de brujas" pretende ser un sci-fi de espada y brujería situado en la Edad Media, pero por momentos más bien parece una comedia involuntaria y por otros una película de Kiarostami pasada a cámara lenta (por lo aburrida) La película -es un decir- comienza con una secuencia bochornosa, un mix de batallas en las cruzadas una detrás de otra que es todo un atentado a la historia, al buen gusto y a la sensibilidad del espectador. Ver a Nicolas Cage con esa peluca-melenita es doloroso y ridículo, este hombre tiene la misma verosimilitud como caballero medieval que Camps de vendedor de trajes en el Corte Inglés. Los intentos por acercar la época al público actual son directamente penosos; diálogos que parecen situados en el Bronx, escenas de lucha con un tono pretendidamente parecido al de "300", etc, etc...Los efectos especiales parecen hechos a base de comprar 4 pamplinas en el millonario de la Calle Pelota (esto sólo lo entenderéis los de Cádiz, pero los demás os lo podéis imaginar) y mezclarlo todo en el spectrum de tu primo...Y es una pena porque hubo un tiempo en que Nicolas Cage era un buen actor -su papel y Oscar en "Leaving las Vegas" es maravilloso- pero no se si dió un golpe en la cabeza o ha fumado demasiado crack. El caso es que sus elecciones posteriores parecen tomadas por un chimpancé borracho...el pobre Nicolas merece que venga un demonio primigenio y se lo lleve al infierno a él y a sus ridículos postizos...En resumen, una auténtica bazofia fílmica, una nadería, un despropósito, un gasto de dinero absurdo, un bodrio, el anticine...

"CHICO Y RITA": SABOR A BUEN CINE

Entre tanto cine lleno de violencia -gratuita o no, psicológica o puramente hemoglobínica- cinismo, descreimiento, escepticismo, hipocresía, etc, etc, resulta especialmente gozosa la experiencia de ver una película como "Chico y Rita". Relato sentimental y emotivo de una historia de amor a lo largo de 50 años, a la par que un precioso poema dedicado a la música y la cultura cubana, la película de Trueba y Mariscal es una contínua sorpresa visual y sonora, un regalo para los sentidos, tan embriagadora y dulce como un mojito en el Tropicana, tan aromática y sinuosa como el humo de un buen Habano. La recreación animada de La Habana años 40 es sencillamente mágica, el guión está medido al milímetro, los personajes resultan mucho más creibles y humanos que algunos no dibujados y el colorismo de su propuesta y la maravillosa música de Bebo Valdés acaban por configurar un auténtico caramelo cinematográfico. Tan solo queda paladearlo. Una duda me quedó al salir del cine...Si "Chico y Rita" es la mejor película española del año... ¿porqué darle el Goya a mejor película "animada"?

"EN EL CENTRO DE LA TORMENTA": NIEBLA ELÉCTRICA

A Bertrand Tavernier siempre le ha apasionado la cultura americana y más concretamente su cinematografía, como se puede comprobar en su maravillosa Enciclopedia del Cine Norteamericano o en sus incursiones en forma de películas en Estados Unidos. En esta ocasión adapta una novela de James Lee Burke para hacer su particular homenaje el Cine Negro en su mejor aversión. Y es que "En el centro de la tormenta" está llena de referencias al genero "noir". Un detective cascado, de rostro petreo y métodos dudosos -maravilloso el Dave Robicheaux de Tommy Lee Jones y su granítico gesto-una voz en off (por momentos casi paródica) que nos va desgranando detalles de la trama, los pantanos de Louissiana cubiertos por la niebla, cadáveres de prostitutas sobre las que pululan cangrejos de río...En resumen una colección de lugares comunes maravillosamente rescatados, que en ocasiones nos recuerdan al Clint Eastwood de "Medianoche en el jardín del bien y del mal" y en otras al David Lynch de "Terciopelo azul" o "Mullholland Drive". Tommy Lee Jones está acompañado por un puñado de sólidos actores; Peter Sasgaard, John Goodman, Mary Steenburgen o Ned Beatty se meten en la piel de un abánico de personajes corruptos o sórdidos...Una atmósfera enrarecida, que convierte los pantanos de New Orleans en escenarios oníricos y una banda sonora deliciosamente intrigante terminan de completar esta pequeña joya para todos los amantes del cine.

"VALOR DE LEY": EL SUCIO Y VIEJO OESTE

"Huye el impio aunque nadie lo persiga"

Los Hermanos Coen siempre tienen la meritoria habilidad de crear historias clásicas a la vez que modernas, característica habitual del buen cine. Simple y llanamente. Esta especie de remake de la película que le diera su único oscar a John Wayne es una nueva revisión del western, desmontando algunos de sus tópicos y explorando nuevos caminos del género, incluso derivando a otros géneros como la aventura, el drama o la comedia. En este western no hay estéticos duelos de pistolas, los momentos de violencia resultan verdaderamente ásperos y secos, los dientes de los vaqueros están destrozados y el polvo, el sudor y la saliva están muy presentes. En medio de todo eso, una pequeña actriz llamada Hailee Steinfeld enamora a la cámara con una interpretación maravillosa, fresca y madura, sobrehumana para una chica de 14 años...hasta tal punto que salvo con Jeff Bridges, se come en sus escenas a los correctos pero más bien planos Matt Damon y Josh Brolin. Bridges vuelve a estar simplemente perfecto en su papel de alguacil borracho y gordo, que viene de vuelta de todo. Maravillosa recreación y ambientación, una historia que se sigue con interés, que como hemos dicho desmitifica los lugares comunes del género para darle un aspecto más sucio, menos épico, más real, hasta un preciso y hermoso final de los que saben concluir con un plano memorable. Tienen los Coen una filmografía a la vez ecléctica y homogénea, pues han tocado casi todos los géneros, pero siempre con su toque particular, un toque que ya podemos tildar de "maestro" hace tiempo...

"CISNE NEGRO": ALAS DE SANGRE

Los (tan manoseados) acordes de "El lago de los cisnes" ya no volverán a sonarnos igual...

Reconozcamos que Darren Aronofsky es probablemente el director actual con más poderío visual. Desde que debutara con la paranoica y magnífica "Pi, fe en el caos", el cineasta ha realizado una serie de películas únicas, e incluso se le perdona un bodrio con ínfulas metafísicas como es "La fuente de la vida"...De sus películas se puede sacar la conclusión de su gran amor por el cine, de sus múltiples referencias, de su imaginación y libertad para contar historias que en muchos casos están en los límites de lo verosimil, pero ¿qué más da? El cine no tiene que ser necesariamente verosimil, pero desde luego tiene que ser emocionante a la fuerza.

"Cisne negro" es, tengo que decirlo sin rodeos, un peliculón. El obsesivo viaje a las tinieblas de una superlativa Natalie Portman, contado en primera persona, da como resultado una mezcla de drama y cine de terror que consigue arrastrarte a ese lugar tan oscuro y a la vez familiar que existe en cada uno de nosotros. Se ha hablado mucho de la sombra de Polansky y títulos como "Repulsión" en este "Cisne negro" y no es en vano. Aunque también se pueden ver influencias de David Lynch, David Cronenberg y otros maestros de escenificar la locura en la gran pantalla. La planificación en planos muy cerrados-como aguanta los primeros planos Natalie Portman dios mío, como la adora la cámara- nos va sumergiendo en la pesadilla en la que se ve inmersa, buscando el éxito aunque para ello tenga que conocer su faceta más siniestra, el cisne negro que habita en su interior. Lo de Natalie Portman merece capítulo aparte. No es sólo que sea guapa y maravillosa, sino que se está convirtiendo en una actriz mayúscula, de las que no permiten desviar la mirada de la pantalla. Si existe la justicia en el mundo, se llevará el Oscar, aunque eso es lo de menos... Su enorme talento y valentía inundan toda la película y en escenas como en la que se masturba sencillamente nos deja con la boca abierta, y no porque nos ponga cachondos, que también, si no porque ahí vemos que al igual que su personaje, la bella y ¿frágil? Portman ha tenido que sacar su lado más sensual y agresivo para dar vida a Nina Mayers. Portman se ha desnudado emocionalmente para este film, mostrándose a la vez vulnerable y temible, frígida y sexy, insegura y voraz. "Cisne negro" es una maravillosa golosina llena de veneno; sensual, vibrante, inquietante. Una imagen condensa todo el sentido de la película, una pequeña caja de música con una bailarina de juguete danzando al ritmo de la música, descabezada...

"I´M STILL HERE": PERSONA(JE)

Desde que hace dos años Joaquin Phoenix anunciara que dejaba la intrepretación (tras la maravillosa "Two lovers") para dedicarse al Hip-hop, he seguido su peculiar "carrera" con una mezcla de curiosidad, escepticismo y simpatía. El actor, que se dejó una barba horrenda y se enemistó con su bote de champú, parecía estar interepretando otro papel más, tal vez el más importante de su filmografía; el de estrella de Hollywood hastiada de su trabajo, consentida y caprichosa que, sin ningún talento, decide dedicarse a la música. Y aunque los creadores de "I´m still here" se han preocupado en sembrar las dudas sobre su veracidad, hace ya algún tiempo que quedó claro que se trata de un "fake"(falso documental) de tomo y lomo...O sea, una enorme broma que Phoenix le gasta al establishment hollywodiense, una bofetada en la cara al concepto de fama, de celebridad. Como viéramos hace unos meses con "Exit through the gift shop" de Banksy, que en este caso era una risotada gamberra sobre el mundo del arte. Pero ojo, porque aunque pudiera parecerlo, el viaje no es especialmente divertido, si no más bien incómodo y lleno de piedras, incluso de algo de sordidez. (Prostitutas, cocaina, vómitos...) Especie de docudrama descarnado sobre la soledad del actor, sobre sus múltiples rostros, sobre las fronteras entre la persona y el personaje y, en última instancia, sobre algo que nos afecta a todos...la ¿imposibilidad? de saber quienes somos en realidad...

LOS LÍMITES DEL CÍRCULO

¿Qué es "normal" y qué no lo es? ¿Dónde están los límites entre la cordura y la locura? ¿Quién pone esos límites? Probablemente no hay respuestas rotundas, pero si las hay, están "En el círculo", estimulante proyecto de Producciones Itinerantes, escrito y dirigido por Roi Guitián y que aborda la grabación de un cortometraje de ficción por parte de usuarios de un centro psiquiátrico. Este documental todavía está en fase de postproducción, pero de momento os recomiendo que le echéis un vistazo al trailer y a la página web: http://enelcirculo.net/ Seguiremos informando de este proyecto porque lo cierto es que promete...¿Estáis "En el círculo"?

LOS GOYA XXV EDICIÓN

Las galas de premios tienen una ambivalencia curiosa; por un lado nos llaman la atención, queremos ver las caras de los actores, sus reacciones, su "glamour", etc etc...por otra parte no hay que olvidar de que se trata de un show televisivo que tiene que entretener, que resultar dinámico. Para eso los americanos suelen ser grandes maestros y los españoles...digamos que todavía tienen mucho que aprender...El año pasado, primero en que los presentó Andreu Buenafuente, la gala resultó muy divertida...este año bastante menos, alargándose una hora más de lo previsto. Para cuando le dieron el Goya de honor a Mario Camus yo ya me estaba quedando dormido y la gala había entrado en punto muerto. No se puede permitir que los ganadores al Goya al mejor corto documental se tiren 10 minutos acordándose de su familia; es duro, pero es así...En cuanto a los premios...no he visto "Pa negre" y seguro que es una buena película, pero señores, hay una clara saturación de historias sobre la guerra civil, por favor, que no nos bombardeen más con LO MISMO. En lugar de premiar historias de calidad que potencian el lado de industria del cine español, como puedan ser "Buried" o "Balada triste de trompeta", van y se lo dan todo a una película de autor en catalán sobre la manoseada guerra civil...Sinceramente, si los premios tienen como objetivo defender la industria de un país (olvidémonos de que se premian a las mejores películas), estas decisiones no han sido muy acertadas...Si me encantaron premios como el de Karra Elejalde, gran actor al que hasta ahora no se había reconocido, que crea un personaje maravilloso y real en "También la lluvia" o los de guión y montaje para "Buried-Enterrado". Por lo demás, poca chicha; un número musical gracioso de Luis Tosar y cia, alguna payasada de Buenafuente y lo mejor de todo; el discurso de Alex de la Iglesia, un tipo sincero y honesto, que huye de los asquerosos sectarismos y elitismos del mundo del cine y que defiende claramente que Internet es el presente y los internautas, espectadores...Y que el cine sin espectadores no es NADA.

"LA TRAMPA DEL MAL": AUNQUE EL DIABLO SE VISTA DE...

Comenzaré diciendo que nunca he sido gran fan de M. Night Shyamalan, ninguna de sus películas me ha parecido gran cosa, no encuentro ni por asomo la vena poética de la que algunos hablan y tampoco comparto las -sonrojantes- comparaciones con maestros del suspense a los que ni siquiera citaré para que no se me revuelvan en sus tumbas...Tal vez se salve de la quema "El bosque", a la que si ví cierto lirismo y trascendencia y que cuenta con la maravillosa Bryce Dallas Howard entre sus grandes aciertos. De otras películas mejor ni hablamos porque este Señor hindú bordea contínuamente el ridículo cuando no se zambulle de lleno en él, como en "La joven del agua" o "El incidente". Pero bueno, la idea de apadrinar a directores nóveles del género fantástico en una colección llamada "The night chronicles" no me parece mala del todo, como fan del género que soy. Tiene un cierto ároma a seriales como "Cuentos asombrosos" o "En los límites de la realidad", muy de agradecer en tiempos de megablockbusters sin alma. Y es que "La trampa del mal" es eso, una peliculita pequeña con una premisa medianamente sugerente (5 personas encerradas en un ascensor una de las cuales resulta ser el mismísimo Diablo), bien filmada, con pocas pretensiones y discretos resultados. En ningún momento sorprende (salvo los maravillosos títulos de crédito y la interesante música) pero tampoco molesta. Se ve como una sesión de tarde con aroma de serie B, se consume con facilidad y se olvida pronto. Y es que aunque Shyamalan se vista de seda...

"127 HORAS": NO CUELA...

Seamos honestos, Danny Boyle vendió su alma al diablo (hollywoodiense) hace años. Tras hacer dos películas oscuras, reales y magníficas como "Tumba abierta" y "Trainspotting", el Señor Dinero llamó a su puerta y empezó a hacer bodrios como "Una historia diferente", "La playa", "Sunshine" o "Slumdog millionaire". Si, si, habéis oido bien, "Slumdog millionaire" es un bodrio de tomo y lomo. Pero claro, el Señor Oscar también llamó a la puerta y es muy tentador invitarle a pasar. Para ello solo hace falta filmar películas con un trasfondo dramático pero con una historia de superación (historias "bigger than life", que le llaman) y por supuesto con final feliz. Esto pone especialmente cachondos a los académicos. Añádase una banda sonora pegadiza, un montaje acelerado y un olfato importante para situar sus películas en escenarios multiculturales y el éxito está asegurado. Un amplio sector del público creerá estar viendo algo con mensaje pero a la vez entretenido, trascendente y "buenrollista", algo así como un anuncio de "Benetton" en celuloide, que simula "epatar" pero que lo único que quiere en realidad es vender.

Y es que Boyle se ha convertido en paradigma del cine publicitario, es decir, aquel visualmente brillante pero absolutamente vacío de contenido. Como un anuncio de "Aquarius" pero de dos horas, para que nos entendamos. Y la película que nos ocupa, queridos amigos, no tiene nada especialmente reseñable, salvo unos maravillosos paisajes de cañones y una esforzada interpretación de James Franco. Aparte de eso, la historia de un tipo más bien plano que se queda atrapado con una roca y se bebe su meado y le habla a su cámara. Comparado con la magnífica "Buried"(con la que comparte un único actor en un único escenario), "127 horas" tiene más trampas que una cita a solas con Carmen de Mairena...Flashbacks, ensoñaciones, planos "around the world" (por algún motivo salen planos de partidos de baloncesto, de maratones...) En resumen, mil maneras de encubrir que no tiene absolutamente nada que contar, aunque parezca lo contrario. A los académicos les colará, a mi, no.

"CANINO": COLMILLO RETORCIDO

¿Qué pasaría si un padre, entre dictador, psicótico y protector, decidiera privar a sus hijos y esposa de todo contacto con la sociedad, encerrándolos en un chalet-microcosmos a las afueras de cualquier ciudad? El sorprendente e insólito resultado es "Canino", película griega (que pocas cintas nos llegan de este país) que ha conseguido colarse en las nominaciones a los Oscars con una historia transgresora y refrescante, llena de mala leche y de sutileza, violenta y elegante, pero sobre todo completamente original. Ya desde el principio observamos como los hijos, instalados en la treintena, se comportan como niños chicos, pasando el tiempo con extraños juegos, premiados o castigados por el ogro/padre según sus resultados. En el pequeño universo, ficticio y enfermizo en el que viven, los aviones que pasan por encima de la casa son de juguete, los gatos que se cuelan por el cercado son horribles y peligrosos monstruos e incluso las palabras adquieren el significado más conveniente para cercenar cualquier deseo de escapada de los hijos. Así, un "coño" es una lámpara grande y el "mar" es una silla tapizada...Si en "Funny games" -película con la que tiene puntos en común, pero a la que supera- la amenaza era exterior e invadía nuestra casa, en "Canino" la amenaza ya está instalada en nuestro hogar y nos deja inmóviles para romper las barreras invisibles creadas a golpe de violencia, física y psicológica. Reflexión envenenada sobre la educación y la libertad, mordisco certero a nuestras conciencias, "Canino" se erige sin duda alguna como la película más sorprendente del año y quien sabe si de la década...

PD: ¡Cuidado! Probablemente "Canino" no sea adecuada para todos los paladares...El que avisa...

"EL DISCURSO DEL REY": LOS REYES DEL DISCURSO

Trato de abstraerme de la corriente mayoritaria que dice que "El discurso del Rey" es la mejor película del año, de las 12 nominaciones a los oscars, de los repetidos premios y elogios a su protagonista Colin Firth, incluso de la opinión -muy favorable- que tuvo mi hermano al ver esta película. A fin de cuentas se trata de lo que a mi me transmita una cinta y de lo que a mi me haga sentir más allá de opiniones generalizadas que casi te obligan a apoyar esa valoración antes de haberla visto. Pues bien, una vez hecho este ejercicio de independencia crítica, tengo que decir que "El discurso del Rey" me dejó más bien frío. Ningún reproche que hacer a la corrección (e incluso academicismo) con la que esta hecha la película; la fotografía, ambientación y vestuario son muy buenas, permitiendose el lujo incluso de un par de planos que parecen cuadros o fotografías de la época. El guión es igualmente correcto y el maravilloso elenco de actores garantiza un puñado de buenas interpretaciones (Firth y Rush, pero ademas Derek Jacobi, Guy Pearce, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, Timothy Spall...) y en resumen, todo parece estar en su sitio. Entonces, ¿Cual es el problema? Pues precisamente ese, que no hay nada que sorprenda, que el argumento es totalmente previsible y es que es muy fácil adivinar que la película acabará con un discurso -supuestamente emotivo- en el que el Rey Jorge VI no tartamudeará gracias a la tutela de ese personaje maravillosamente interpretado por Geoffrey Rush. Y es que si os digo la verdad, más que con la interpretación del sosainas de Colin Firth-que solo consiguió conmoverme en una ocasión en la que sonríe- yo me quedo con la del genial Geoffrey Rush. El único que pone alma, humanidad y credibilidad, el único capaz de emocionarme en tan fría función. Y no utilizo el término "función" en vano, porque tiene una naturaleza verdaderamente teatral, con maravillosos decorados, pero con poco cine. Quiero simplemente dejar una reflexión para acabar: Los productores de la película, los Hermanos Weinstein, son verdaderos especialistas en diseñar año tras año películas para arrasar en los Oscars. Buenos ejemplos de ello son films más bien mediocres que consiguieron llevarse el gato al agua: "Shakespeare in love", "Chicago" o "Nine", sin ir más lejos. ¿La receta? Historia y actores "de prestigio", con una cierta pátina de cine de autor pero a la vez digerible para el gran público, pero por encima de todo, una bestial campaña de promoción y relaciones públicas en la que finalmente a cada espectador y a cada académico les resulta imposible no pensar que la interpretación de Colin Firth es la mejor del año y "El discurso del Rey" la mejor película. ¿Pero realmente lo son? A estos si que los considero yo auténticos reyes...del marketing.

"MÁS ALLÁ DE LA VIDA": PASEO POR EL AMOR Y LA MUERTE

Qué manía tienen los encargados de traducir los títulos de películas en destrozar el sentido óriginal del autor al titular una obra...Me los imagino en oscuras oficinas, en sótanos situados quien sabe dónde pensando -es un decir- como pueden fastidiar un film. En este caso, "Hereafter", que podría traducirse como "El más allá" o "La otra vida"-mucho más sutiles- por el insulso y obvio "Más allá de la vida", que podría muy bien ser el título de cualquier telefilm de lucha contra el cáncer o de alguna superproducción con Robin Williams de protagonista y muchos efectos visuales. Y no es el caso, porque la película de Eastwood es un cuento moral con reminiscencias dickensianas más que evidentes que se plantea que pasa tras morir -cosa que nos planteamos todos inevitablemente-, que se pregunta si hay algo más allá, eso sí, sin dar respuestas claras. O que nos esperábamos... ¿Qué Clint tenía la solución al mayor enigma del ser humano? Y es que da la impresión de que en un momento determinado Eastwood desiste de hablar de la muerte, ante la falta de respuestas, y decide hablar del amor, tal vez su único y poderoso antídoto. En este sentido destacan las interpretaciones femeninas-Cecile de France y Bryce Dallas Howard está deliciosas- por encima de la de Matt Damon y es que a pesar de su madurez y una carrera más que meritoria, a mi este muchacho siempre me pareció bastante insulso. Melodrama de corte clásico, tremendamente entrenido y eficaz, "Hereafter"-me niego a volver a llamarla por su título español- no es ni de lejos de las mejores películas de Eastwood, pero contiene momentos de belleza y secuencias verdaderamente conseguidas, como la de las clases de cocina o la impactante secuencia inicial que recrea el Tsunami de Tailandia con una veracidad terrorífica. Los que esperen gran cine en esta película no lo encontrarán, pero al menos si es una experiencia honesta, sensible y (relativamente) diferente.

"DE DIOSES Y HOMBRES": DIOSES MUY HUMANOS

"De dioses y hombres" es la historia de un grupo de monjes cistercienses, enclaustrados en un pequeño monasterio del Magreb, que tienen que decidir si se quedan o se van ante el progresivo acoso en la región de los grupos islamistas radicales. Se trata de una película extremadamente sencilla y depurada, con un ritmo sosegado -en ocasiones demasiado-, algo que en realidad no se le puede reprochar, pues la naturaleza del argumento no es que pida precisamente persecuciones y montajes paralelos. Xavier Beauvois, un director para mi desconocido hasta el momento, cuenta con un grupo de actores portentosos, que dotan de naturalidad y verosimilitud una historia de crisis de fe, valor, cobardía y convivencia entre religiones y en resumen, personas. Principalmente destacan Lambert Wilson y Michael Lonsdale (al que pudimos ver en "Ágora" y en la ya mítica "El nombre de la rosa) que sencillamente bordan sus papeles, insuflándolos de humanidad y cercanía. La mejor escena de la película, conmovedora y despojada de artificio, es aquella en la que una chica musulmana le pregunta a Lonsdale lo que significa estar enamorado. Para enmarcar. Rodada con maneras cercanas al cine documental, "De dioses y hombres" es una bocanada de cine de verdad, en ocasiones algo contemplativo pero austero y sencillo como este grupo de monjes, casi una "rara avis" en el panorama actual y que podría muy bien haber sido filmada en los 70 u 80. Más que una historia de religión, es un relato sobre sentimientos humanos que todos podemos sufrir y sufrimos: el miedo, la esperanza, la amistad e incluso la incertidumbre que padecen estos hombres que desde luego están muy lejos de ser dioses...

"TAMBIÉN LA LLUVIA": TAMBIÉN EL PÚBLICO...

Empezamos muy bien el 2011 cinematográficamente hablando..."También la lluvia", la nueva cinta de Iciar Bollaín tras la fallida "Mataharis"(2007) recupera la tradición de aunar auténtico espectáculo con el más honesto cine de denuncia, en un equilibrio tan complicado como logrado. Y la apuesta le sale redonda, porque conseguir que una película sea entretenida a la vez que profunda y emocionante a la vez que exenta de discurso panfletario no es una tarea sencilla. Bollaín sabe que no puede caer en el didactismo más evidente ni en el tedio narrativo. No es esto cine de autor en su acepción más nefasta, sino auténtico cine de entretenimiento en su mejor definición. La historia de un equipo de rodaje español -colonizador- que rueda la historia del descubrimiento -la invasión y saqueo- de América por parte de Cristobal Colón durante la revuelta del agua boliviana en el 2000, cuando los indígenas defendieron con piedras y palos su abastecimiento de agua de los intentos imperialistas de las multinacionales norteamericanas, resulta ser una analogía perfecta. Lo que hace 500 años era el codiciado oro, ahora es el imprescindible agua. La toma de conciencia de los protagonistas, Gael García Bernal y un Luís Tosar cada día más inmenso, es el eje para contar esta historia de injusticias a través de los siglos. La película dentro de la película -la de la colonización americana- no resulta en ningún momento innecesaria, sino que se complementa a la perfección con la otra, aportando matices y ofreciendo un espejo perfecto de la actual situación. Claro que Bollaín sabe que cuenta con los mejores ingredientes; un guión redondo de su pareja y guionista de Ken Loach, Paul Laverty, un elenco de actores en estado de gracia, en especial las humanas y maravillosas interpretaciones de Luis Tosar, un actor cuya presencia en pantalla resulta magnética, y Karra Elejalde -qué desaprovechado está este gran intérprete-, que compone el personaje de actor alcohólico y ya de vuelta como sólo lo harían los maestros. Algunas de las mejores secuencias de "También la lluvia" son verdaderos "tours de forces" entre Tosar y Elejalde o Tosar y García Bernal. Aquí es evidente la mano de una buena actriz reconvertida en una estupenda directora. Potente, emocionante, vibrante y de hondo calado, "También la lluvia" tiene todas las papeletas para llevarse muchos premios, el reconocimiento de la crítica y también, porque no, el del público...